Borges meets Ted Bundy

     Habéis presentado dos anticipos antes de la salida de «No Living». Por un lado, «Kill All, Burn All, Loot All». Días después, «Godbundy», basado en el asesino en serie Ted Bundy. ¿Cómo han calado en el público?

     Parece que la reacción ha sido buena. En el caso de “Kill All, Burn All, Loot All” creo que muchos no esperaban un tema tan fuerte como avance, con tanta variedad de cambios (la tónica general del disco) y con nuestros “detalles particulares” que hacen que todo suene a Necrophiliac. Lo que se espera de bandas que regresan después de tantos años suele ser más de lo mismo. Más calidad técnica, eso sí, pero conservando esquemas de antaño para “no arriesgar” en exceso. Creo que no es nuestro caso y nosotros hemos querido aportar algunas cosas que en 1992 no fue posible por distintos motivos. Avanzando en algunos esquemas y sobre todo no limitando las composiciones por razones de tiempo, sino atendiendo sobre todo a la temática y al desarrollo. En el caso de “GodBundy” era la primera vez que creábamos un videoclip para acompañar la presentación de un tema, y aunque rudimentario, creo que sirve perfectamente al propósito de recrear el ambiente de aquellos videoclips de los 90.

   Personalmente, «Godbundy» es la que más me ha gustado, conocía la historia del asesino en serie. Pero os fijáis en un momento exacto de su, digamos, ritual, ¿no es así?

     En efecto. Una de las citas que se atribuyen a Bundy es: “…murder is not about lust and it’s not about violence. It’s about possession. When you feel the last breath of life, you look into her eyes. At the point, it’s being God.” Es una sentencia tan potente que el título “GodBundy” venía casi dictado: “…cuando sientes el último aliento escapándose, miras a sus ojos, en ese momento eres dios…”. Esa frase da una idea del nivel de locura y desprecio por la vida de este individuo al considerarse a sí mismo por encima de sus semejantes, como un dios que decide sobre la vida o la muerte de quien posee. En todos los temas del disco subyace el concepto principal del disco, también en éste: ¿Cómo influimos todos en la creación de estos auténticos “monstruos”? ¿Cuál es nuestro grado de participación en la gestación de estos engendros dentro de nuestra sociedad? ¿Somos de alguna forma corresponsables del sufrimiento que generan? Sólo los muertos son inocentes, nadie entre los vivos está libre de culpa.

     La que me ha parecido una maravilla es «When Mother Ate Son». Cambios de ritmo, detalles técnicos pausados y cuchilladas vertiginosas. ¿Qué puedes contarnos de esta canción?

     El tema versa sobre la terrible hambruna que asoló Ucrania hacia 1932 provocada por el régimen estalinista para imponer la colectivización en la agricultura. Se dice que, durante aquella hambruna extrema, muchas familias recurrieron al canibalismo para poder subsistir. Se cuenta incluso que alguna madre llegó al extremo de “devorar” el cadáver de su hijo muerto para poder sobrevivir. ¿Podemos acaso imaginar este sufrimiento? ¿Cómo es posible tomar la decisión de matar literalmente de hambre a toda una población por motivos políticos? ¿Cómo se permitió que sucediera semejante atrocidad? Parte del texto está inspirado en un capítulo de la novela Todo fluye de Vassili Grossman. El título del disco también está tomado de un pasaje de dicha novela, aunque he querido ampliar su interpretación fuera del contexto en el que figura en la obra literaria. Igualmente, todas las canciones de este disco están inspiradas en atroces hechos históricos más o menos cercanos en el tiempo. Hechos que contaron con la la implicación de determinados colectivos que propiciaron, permitieron o ignoraron estas calamidades.

     Hablemos de la producción del trabajo. La diferencia es abismal con respecto a «Chaopula». Sin embargo, era ese sonido lóbrego lo que hace que ese disco sea mágico. ¿Qué tal la experiencia con Dan Swanö?

      Genial, no puedes hacerte una idea del plus que supone para la producción que un profesional con una experiencia tan dilatada como Dan Swanö imprima su toque final a todo el sonido. La diferencia entre la grabación “antes” y “después” es sencillamente acojonante. Consigue darle la compresión, compactación y realce que necesita todo el conjunto, sacando detalles apenas perceptibles en principio e integrando todos los instrumentos (voz incluida) para que nada esté fuera de su sitio. En definitiva, consigue que la grabación suene como debería sonar un disco de Death Metal, salvando las distancias que impone el presupuesto de cada producción, claro.